19世紀の画家にとって、写真はまだそれほどの脅威ではありませんでした。
人物や風景を二次元に写しとることができるといっても、まだカラー写真は普及しておらず、レンズの性能もそれほど良くなかったため、絵画の優位性が残っていたからです。
それでも、新たな技術である写真に刺激を受けた画家は少なくありませんでした。
写実性では写真に敵わないと感じた画家たちの一部は、写実性以外の表現を追求するようになりました。
その代表が、ラフな筆致で一瞬の印象をとらえた印象派です。
画家の主観を大事にした印象派の絵画は、事物のいっさいをそのままに写し取る写真のアンチテーゼでした。

ドガと同様に、写真を見ながら絵を描いていたと言われているのがモーリス・ユトリロです。
ユトリロはパリの街並みを数多く描きましたが、それらを描く際に写真を参考にしていました。
ドガよりも50年ほど後のユトリロの時代には、新しいテクノロジーである写真もそれほど珍しいものではなくなり、単に道具として使われるようになっていました。
ユトリロの絵はパリに来た観光客によく売れましたが、写真の絵葉書よりも人が手で描いた風景画のほうが価値あるものとなったのです。
映画『ジャコメッティ　最後の肖像』には、ユトリロよりも20年ほど後の芸術家ジャコメッティが肖像画を描きながら「写真ができたから肖像画にはもう意味がない」と自虐するシーンがあります。
それでも、芸術家は肖像画や風景画を描くのを止めていません。そこには、レンズに写る光を切り取った写真以上の意味があるからです。

絵画と写真の関係がこなれてきた19世紀末に映画が誕生しました。
動く写真とも言える映画は、まさに異次元の衝撃を絵画や写真に与えました。現代の人々が、何かについて知りたいときに、書籍よりもマンガ、マンガよりも動画を選ぶように、動く写真はあっというまに人気を集めたのです。
例えば、印象派の画家ピエール＝オーギュスト・ルノワールの次男であるジャン・ルノワールは、成長して高名な映画監督になりました。
父親の時代には絵画が芸術の主流でしたが、息子のジャンの時代には映画が流行の最先端だったからでしょう。
父親のルノワールのような印象派の画家たちには、映画芸術に乗り換えるという選択肢はありませんでした。年齢的に遅すぎたからです。
しかし、ルノワールより60歳以上も年下のダリの場合は違います。
サルバドール・ダリは24歳のときに、友人のルイス・ブニュエルとともに映画『アンダルシアの犬』（1929）を撮りました。
後のダリの絵画に出てくるようなさまざまな衝撃的なイメージを詰め込んだこの短編映画は、当時の若い芸術家たちの間で評判となり、ダリの名声を高からしめました。
時代は少し下りますが、アンディ・ウォーホルや草間彌生といった戦後の現代アーティストたちもまた、自らの芸術活動の一環として映画を撮っています。
芸術家の撮る映画は、多分に実験的要素が強く、一般的な商業作品にはならないことが多いのですが、映画という新しい芸術への画家たちの取り組みは興味深いものです。